Пока актер не чувствует себя в костюме как дома,
он не чувствует себя как дома и в своей роли.

Оскар Уайльд

1

«Костюм в театре (от итал. Costume – обычай) – один из важных компонентов оформления спектакля – одежда, обувь, головные уборы, украшения и др. предметы, которые используются актёром для характеристики сценического образа, создаваемого им на основе общего режиссерского замысла… Костюм – самостоятельная область творчества театрального художника, воплощающего в нем мир образов…» (Большая советская энциклопедия)

Мы с трудом можем представить себе театр без театрального костюма. Конечно, игра актера – это главное. Его лицо, голос, эмоции в деле перевоплощения невозможно заменить ничем. Но и костюм играет огромную роль в создании образа.

Театральный костюм практически является частью театрального грима. Ведь грим – это искусство изменения внешности актера, преимущественно его лица, с помощью гримировальных красок, пластических и волосяных наклеек, парика, прически и др., а вовсе не только «намазывание лица красками».

Кажется, что театральный костюм был всегда, однако это не так. История театрального костюма неразрывно связана с общей историей костюма.

Одежда появилась еще в первобытном обществе и имела единственное предназначение – укрывать от солнца, ветра, холода. Она очень зависела от климатических условий местности. Так, в странах с холодным климатом появились теплые плащи, например, в русском костюме – мех. Практически сразу костюм стал социальным явлением, ведь он был неразрывно связан с положением человека в племени (вождь это или воин и т. д.).

У всех народов мира с древнейших времен существовали праздники, связанные с ежегодными циклами умирания и возрождения природы. Эти праздники дали жизнь театру.

Древние греки очень любили и почитали молодого бога виноделия Диониса и чествовали его три раза в год. Праздник начинался с ввоза деревянного Бога в лодке на колесах, которую сопровождал хор сатиров-ряженых. Праздник всегда был связан с переодеванием и карнавальными костюмами. О нарядах участников праздника известно, что это были звериные шкуры.

Позднее, благодаря состязанию поэтов на театральных подмостках, трагические и комические песни стали самостоятельными театральными жанрами.

 

Античный театр

2

В 534 году до н. э. впервые была поставлена пьеса «Феспида». Эта дата считается официальным годом рождения театра.

Античный театр собирал под открытым небом несколько тысяч человек. Чтобы зрители могли видеть представление даже издалека, нужны были соответствующие костюмы: яркие платья, маски на лице, обувь на высокой платформе. К маске крепился металлический резонатор голоса, чтобы зрителям было лучше слышно. Маски мастерили из дерева или гипса и раскрашивали, придавая им разные выражения – смеха, грусти, злобы, гнева... За одно представление актер менял несколько масок. Все роли играли только мужчины.

В костюмах особое значение придавалось цвету. Чтобы зрители лучше понимали происходящее на сцене, каждый цвет был символом определенного персонажа: правитель – в пурпуре, его жена – в белом, женщины – в желтом и т. д.

Различались костюмы комиков и трагических актеров. В отличие от длинных, монументальных нарядов последних, комики пользовались более короткой, удобной одеждой, позволяющей свободнее двигаться на сцене.

Постепенно театральный костюм упрощался, приближался к бытовым нарядам, уходили в прошлое маски, стала видна мимика актеров. На сцену стали выходить и женщины.

В античном костюме использовалась ткань, соответствующая по ширине ткацкому станку. Одежда собиралась в вертикальные складки. Обувь состояла практически из одной подошвы.

 

Европейское средневековье

XI-XIII века – время рыцарей, рыцарских турниров и прекрасных дам, инквизиции и эпидемий чумы. Одежда, как женская, так и мужская, все еще состоит из туники. Появился третий шов на спине. Еще нет понятия моды.

Для средневековой культуры характерна символичность. Для высшего сословья шили костюмы из ярких цветов, для простонародья – серых, коричневых. Не носили одежду желтого цвета, считавшегося цветом измены и ненависти. Мужчины обязательно надевали штаны – исконно варварскую часть костюма.

Это было время скоморохов, менестрелей, шпильманов, иначе говоря, бродячих артистов, которые играли, пели, жонглировали, ходили по канату.

3

 Часто это был театр одного актера. Одежда соответствовала требованиям жанра, была удобной и функциональной: трико, мягкие башмаки, короткие туники.

Чтобы привлечь народ, церковь старается сделать свои службы более зрелищными. Так появляется литургическая драма, в которой священники сами разыгрывают представления. Постепенно из церкви эти постановки перекочевали на площадь, персонажей стали исполнять горожане, наряжавшиеся в церковнослужителей, монахов, библейских пророков, чертей с рогами и хвостами.

Зачастую специально для сцены костюмы не шили, ограничивались лишь надписями «бог», «рай», «ад».

 

Позднее средневековье

4

Готический период (XIII – XV века) – дальнейшее развитие феодализма в Европе. Классовое расслоение населения ведет к классовой дифференциации и в костюме. Издаются первые законы о рангах в одежде, предписывающие строгие ограничения в выборе тканей и формы костюма для разных классов общества.

Если в раннем средневековье покрой одежды был очень прост и примитивен и состоял, как правило, из туник, то в позднем средневековье были заложены основы кроя. Фасон одежды перестал зависеть от ширины ткацкого станка. В этот период одежда подгонялась по фигуре, стала сложной по крою.

Театральный костюм оставался зрелищным. Божественные персонажи выступали в белом и блестящем, дьяволы и т. п. – в черном, любовь – в красном, надежда – в зеленом. С античных времен остались и основные атрибуты: у Любви – сердце или роза, у Скупости – кошелек, у Лести – лисий хвост, у Веры – крест. Но постепенно театральный костюм стал приближаться к бытовому.

Теперь костюмами для сцены уже занимались умельцы, получившие образование: портные, художники, декораторы. На эти профессии появился спрос.

Барокко (XVII – XVIII века) – на первый план выходит буржуазия. Развивается светская культура, нашедшая выражение в драматургии Корнеля, Лопе де Вега и Мольера. На это время пришелся и расцвет изобразительных искусств: мир увидел работы таких великих художников, как Рембрандт, Веласкес, Рубенс и многих других. Франция, став одной из могущественных держав, возглавила европейскую моду.

Наряды становятся все более роскошными, чему способствует и появление новых материалов. Особым спросом пользуется бархат и шелк. В моду входят парики.

Одежда дворян становится настолько изощренной и имеет столько украшений, что приходится ввести ряд ограничений. Так, в 1633 году вышел эдикт «О роскоши», написанный кардиналом Ришелье.

С ХVI века костюмами для сцены уже занимались профессиональные портные, художники, декораторы. Эти профессии развиваются и становятся востребованными. Нередко актеры в течение одной пьесы несколько раз меняют костюм. Например, представления итальянской комедии дель арте, пьес Лопе де Вега, Шекспира строились на бесконечных переодеваниях.

Примерно с XVII века роль театрального костюма становится менее значимой. Все внимание отдается речи. Зрители внимательно слушают, а образы персонажей создаются диалогами актеров. С развитием такого театра маски и гротескные костюмы потеряли свою актуальность. Актеры стали носить на сцене обычные бытовые костюмы, хоть и более облагороженные и чистые. Можно сказать, что театр постепенно входил в быт.

В XVII-XVIII века – расцвет балета, оперы, цирка, где костюм, так же, как и грим, имеет свои особенности.

 

XIX век

5

К XIX веку театр занимает все большее место в жизни общества. Он становится одним из главных развлечений не только богатых, но и простых людей.

Художник Р. С. Левицкий в письме к В. Д. Поленову писал: «Посещаешь ли ты театры? Не избегай, в особенности, народных, так как в них найдёшь бездну мотивов и костюмов, которые можешь даже во время представления зачерчивать в альбомчик».

Французская буржуазная революция способствовала уничтожению классового неравенства и в одежде. Мужской костюм стал более деловым. Основным украшением становится галстук. Женский костюм также стал строже и скромнее, особое внимание уделялось шляпкам. Создавалось огромное количество фасонов мужских и особенно женских шляп.

Главный признак костюма этого времени – внешняя простота в сочетании с дороговизной и совершенным кроем.

В 50-60-е годы мода носила особенно экстравагантный характер. Этот период в истории моды, создаваемой в Париже, получил название «мод Второй империи». Вся Европа увлекалась театром и «живыми картинами». Таким образом, в каждом салоне знатные гости могли попробовать свои силы в «искусстве».

В XIX столетии популярной стала викторианская мелодрама, в которой герои четко делились на добрых и злых. Героини пьес носили наряды, щедро украшенные перьями, искусственными цветами, бантами, лирические герои – романтические рубашки с байроновским воротником. Типичный злодей был укутан в черный плащ, носил фетровую широкополую шляпу, или цилиндр и обязательно усы или баки.

Изобразительной стороне оформления спектакля в то время уделялось мало внимания. На сцене императорских театров использовались типовые декорации, выписанные из-за границы. Актеры, которым полагалась дополнительная надбавка для шитья костюмов, шили театральный гардероб на свой вкус, а в частных провинциальных театрах актеры обязаны были иметь собственный гардероб для сцены.

 

XX век

6

В начале XX века в Европе огромной популярностью пользовались «Русские сезоны» Сергея Дягилева, переросшие позже в «Русский балет С. Дягилева». Для проектов Дягилева работали талантливейшие художники того времени Пикассо, Матисс, Ларионов и др. Костюмы создавали Николай Рерих, Леон Бакст, Коко Шанель.

7

Имя художника Л. Бакста неразрывно связано с театром: он выполнил эскизы костюмов для балетов «Клеопатра», «Шехеризада», «Карнавал», «Нарцисс», «Дафнис и Хлоя» и других.

 

Советская Россия

Октябрьская социалистическая революция в России сильно повлияла на формирование моды в стране. Роскошные туалеты

отошли в прошлое. На первый план вышла всеобщая усредненность: нужно было выглядеть как все, одеваться как все и не выделяться. Индивидуальность не приветствовалась.

Не лучше обстояли дела и в театрах, которым пришлось подстраиваться под революционные реалии страны. Теперь актеры стали считаться «работниками театрального труда». Театральный костюм практически исчез. Символом революции в одежде стали кожаные куртки и красные косынки.

8

Со временем все стало входить в свое русло, на сцену вернулся театральный костюм. Мода и театр слились, породив новое явление – театр моды. Бытовой костюм пришел на сцену.

 

Костюмы от Кутюр

Модные дизайнеры также участвовали в создании театральных костюмов. Еще в 1922 году Коко Шанель придумала костюмы для пьесы Ж. Кокто «Антигона». Она очень увлекалась русским балетом, и когда Дягилев и Нижинский поставили балет «Голубой поезд», знаменитая француженка «одела» танцоров.

Кристиан Диор был создателем женских туалетов для пьесы французского драматурга Ж. Жироду «Дуэль ангелов». Он разрабатывал одежду и для кино.

Юбер Живанши, дед которого был художником по костюмам в Гранд-опера, в 1997 году для Большого театра сшил одежду для героев «Жизели».

Известный итальянский модельер Стефано Пилати, работавший на такие модные дома, как  Yves Saint Laurent и Prada, придумал костюмы для героев пьесы Г. Пинтера «Предательство».

Балерина Майя Плисецкая была музой для Пьера Кардена и Ив Сен-Лорана. Карден, с которым Плисецкая познакомилась в 1972 году, создал костюмы к балетам «Анна Каренина», «Чайка» и «Дама с собачкой».

9

Ив Сен-Лоран придумал одежду для балета «Гибель розы».

В балетных костюмах полностью раскрылся талант Джанни Версаче, который начал работать для театра в 1982 году. Начав с балета «Легенда о Иосифе», он создал череду ярких, эффектных туалетов.

Костюмы для сцены создавали и другие дизайнеры: Александр Маккуин, Стелла Маккартни, Альбер Эльбаз…

И в наши дни, как и в прошлом, театральный костюм остается предметом творчества художников, которые сочиняют его как отдельное произведение и важнейший компонент спектакля.

 

Источники:

Киреева Е. В. История костюма. – М., 1976. – 174 с.

Джексон Ш. Костюм для сцены. – М., 1984. – 143 с.

https://lektsii.com/3-24322.html

https://www.wonderzine.com/wonderzine/style/style/193919-costumes

http://www.tambovcentr.ru/joomla/images/docs/metodichki/Teatr_Kostym.pdf

 

Н.Н. Корлякова

© 2016 - 2019 МКУК ЦБС города Челябинска